Die andere Erde (Céline Berger, Florence Obrecht, Wu Zhi), Kostbar Gallery, Berlin.

posted on 2018-09-27 08:50:36

Kostbar Gallery, Augustraße 85, 10117 Berlin
Vernissage 28.09.2018 ab 18:00
Öffnungszeiten : Mi. bis Fr. 12:00 - 18:00

Que Céline Berger, Florence Obrecht et Wu Zhi aient désiré rassembler leurs travaux n’est pas seulement une histoire d’amitié. C’est aussi une histoire d’affinités entre des peintures qui, malgré une facture à chaque fois différente, sont reliées par un élément fondateur, l’empathie envers l’humain.

Florence Obrecht réalise notamment de grandes figures frontales, en pied, selon un format rare qui rappelle la majesté des portraits à la Van Dyck. Ces figures, pourtant, se trouvent être des adolescentes ou des jeunes femmes. Très contemporaines, elles portent, en guise de titres de noblesse, des accessoires : cerceau de gymnaste, short rose ou encore un vêtement dont l’étoffe mêle des motifs africains à des motifs féministes. L’artiste fait exister ces jeunes filles non seulement par la précision figurative qui préside à leur réalisation mais aussi par leur épaisseur vitale et leur rayonnement.

Si les figures de Florence Obrecht s’imposent, charismatiques, parfois sur un fond or telles des figures de saints ou de rois, celles de Céline Berger, au contraire, s’inscrivent dans un paysage jusqu’à s’y fondre : un homme et une femme dans un jardin qui ressemble à l’Eden, une femme devant l’âtre, environnée d’alignements de bougies, une silhouette dans un paysage de sources et de grottes.
Ces compositions ont la facture naïve que leur confèrent notamment la construction de l’espace ou les traits des personnages, mais aussi un raffinement comparable à celui d’une broderie (faite d’infinies gouttes lumineuses) ou d’une enluminure médiévale. Le regard est invité à prendre place dans ces espaces à la fois humbles et glorieux, telles des images pieuses travaillées par toute une tradition de savoir-faire artisanal.
A côté de ses grands formats, Florence Obrecht se place également dans une filiation avec les traditions populaires, quand le textile devient le matériau principal de ses compositions. Par ses portraits en patchwork, par exemple, elle répond à la question de la possibilité de la peinture comme artisanat. L’acte de coudre, s’il peut paraître vieillot, ralentit le temps, répare, relie entre eux les êtres.

Wu Zhi, quant à elle, nous invite à contempler l’étrangeté de l’autre. Dans cet attirail d’objets dont elle affuble ses personnages (sac de congélation sur la tête, bâche de plastique en guise de cape, ornements de métal), elle parle, en termes cryptés, de tout ce qui, chez eux, nous échappe, de leurs sentiments, de leurs fissures, des aléas de leur histoire. Même jeunes, les personnages de Wu Zhi sont lourds de leur histoire. Ils portent, comme un étendard, l’extrême singularité dont la vie a fini par les envelopper.
L’artiste manie la virtuosité technique dans l’exécution des nuances bleutées de la peau, des transparences, du rendu des matériaux, des lumières tout en clair-obscur. Cette virtuosité sert l’héroïsme de ces figures anonymes. Placées sur un fond intemporel, aux couleurs orageuses, elles sont à la fois réelles (on sent, derrière chacune, la présence de la personne qui a posé) et énigmatiques. Le spectateur a la sensation déroutante de détenir lui-même la clé du mystère, sans pour autant pouvoir s’en servir, arrêté qu’il est par leur intense beauté.

L’énigme est aussi au cœur de la peinture de Céline Berger, ponctuée par ce qui ressemble à des motifs ésotériques (coraux, source, arbres de vie, chandeliers), et notamment dans cette scène où deux femmes se penchent sur une pierre étrange. Celle-ci est comme insérée dans ce filet de perles colorées et brillantes qu’on retrouve régulièrement dans son œuvre : fin tissage, veinules exprimant notre désir d’harmonie, d’enchantement, de reliance.

Anne Malherbe
(Critique d’art et commissaire d’expositions indépendante)

***
Céline Berger, Florence Obrecht und Wu Zhi haben nicht nur den Wunsch gehegt ihre Arbeiten gemeinsam auszustellen, weil sie befreundet sind. Es gibt auch Affinitäten zwischen diesen Malereien, die ein grundlegendes Element verbindet, obwohl jeweils ein unterschiedlicher Ansatz existiert : nämlich die Empathie zum Menschen.

Florence Obrecht malt vor allem eindrückliche, frontale Figuren, stehend, in seltener Manier, die an die Imposanz von Van Dycks Porträts erinnert. Diese Figuren sind jedoch Heranwachsende oder junge Frauen, und anstatt der Attribute der Noblesse tragen sie sehr aktuelle Mode-Accessoires : Gymnastik-Reifen, rosa Shorts oder Kleider, wo afrikanische und feministische Motive vermischt sind. Die Künstlerin bringt die jungen Mädchen nicht nur durch die bemerkenswerte figurative Präzision zum Leben, sondern auch durch ihre vitale Ausstrahlung.

Während sich die Figuren von Florence Obrecht in den Vordergrund drängen, charismatisch, auf goldenem Grund wie Heilige oder Könige, integrieren sich jene von Céline Berger in die umgebende Landschaft, bis sie damit verschmelzen : Ein Mann und eine Frau in einem Garten, der dem Garten Eden ähnlich sieht, eine Frau vor dem Herd, umgeben von aufgereihten Kerzen, eine Silhouette in einer Landschaft von Quellen und Grotten.
Man kann sagen, dass diese Kompositionen naiv sind, besonders was den Aufbau des Raumes und die Züge der Dargestellten anbetrifft, sie besitzen aber auch eine Feinheit, die mit der einer Stickerei (gleichsam wie aus unendlich vielen leuchtenden Tropfen) oder einer mittelalterlichen Buchmalerei verglichen werden kann. Der Blick ist dazu verleitet in diesen bescheidenen und zugleich gloriosen Räumen zu verweilen, ganz so wie bei religiösen Bildern, die durch eine lange Tradition von handwerklichem Können entstanden sind.
Florence Obrechts Arbeit ist, abgesehen von ihren Grossformaten, ebenfalls in der Linie der populären Traditionen, wenn nämlich der Stoff zur Hauptsache ihrer Kompositionen wird : In ihren Patchwork-Porträts antwortet sie zum Beispiel auf die Frage nach der Möglichkeit der Malerei als Handwerk. Der Akt des Nähens, auch wenn dieser veraltet scheinen mag, verlangsamt den Zeitablauf, repariert und verbindet die Menschen miteinander.

Wu Zhi hingegen lädt uns ein, die Andersartigkeit des Gegenübers zu betrachten. Im Objekt-Wirrwarr, mit dem sie ihre abgebildeten Personen ausstaffiert (Gefriertüte auf dem Kopf, Plastikfolie als Umhang, Metallverzierungen), erzählt sie, in kryptischer Form, von allem, was uns bei ihnen entgeht, ihre Gefühle, ihre Verletzungen, die Eigenheit ihrer Lebensgeschichte, die - auch wenn die Personen jung sind - schon mit vielen Erfahrungen beladen ist. Es ist, als ob die Einzigartigkeit die Figuren wie eine Fahne umwickelt hat.
Die Künstlerin besticht durch die technische Virtuosität bei der Ausführung von bläulichen Nuancen der Haut, der Materialwiedergabe, der Lichter ganz in hell-dunkel. Diese Virtuosität dient dem Heroisieren der Figuren. Auf zeitlosem Hintergrund, in gewitterhaften Farben, sind sie real (man spürt hinter jeder Figur die individuelle Präsenz der Person, die posiert hat) und zugleich enigmatisch. Es kommt dem Betrachter so vor, als ob er selbst den Schlüssel zum Verständnis des Mysteriums besitze, ohne aber imstande zu sein, es zu entschlüsseln - so erstarrt ist er von ihrer intensiven Schönheit.

Das Rätsel ist auch im Zentrum der Malerei von Céline Berger, angedeutet durch Dinge, die an esoterische Motive erinnern (Korallen, Quellen, Lebensbäume, Kerzenleuchter), und speziell in der Szene wo zwei Frauen sich über einen sonderbaren Stein beugen. Dieser befindet sich in einem Netz farbiger und leuchtender Perlen, die man regelmässig in Bergers Werk wiederfindet : feine Weberei, kleine Gewebe, die unseren Wunsch nach Harmonie, Entzücken und Vertrauen ausdrücken.

Anne Malherbe
(Kunstkritikerin und freie Kuratorin)

Images / Bilder :
Wu Zhi, Birthday, Öl auf Leinwand, 25cm Durchmesser, 2018
Céline Berger, Le repaire du condor, Öl auf Leinwand, 30 x 40 cm, 2017-2018
Florence Obrecht, Tata Hélène, Öl auf Holz, 150 x 70 cm, 2018

Die Jahrhundert-Bar (1920-2020)

posted on 2018-09-27 08:39:35

kuratiert von / curated by Alex Tennigkeit und Kathrin Landa

Mit Künstlerinnen des MNW und Gästen* / with MNW- members and guests* :

Joannie Baumgärtner*, Fritz Bornstück*, Steffi Dost, Mareike Drobny*, Isabelle Dutoit, Zo-har Fraiman, Marie Gold, Franziska Guettler, Nina K. Jurk, Heike Kelter, Michael Kirkham*, Marianna Krueger, Kathrin Landa, Verena Landau, Corinne von Lebusa, Catherine Lorent, Rosa Loy, Florence Obrecht*, Justine Otto, Axel Pahlavi*, Gudrun Petersdorff, Maria Sainz Rueda, Julia Rüther, Ann-Katrin Schaffner, Sophia Schama, Moritz Schleime*, Eva Schwab, Bettina Sellmann, Tanja Selzer, Caro Suerkemper, Alex Tennigkeit, Kathrin Thiele, Miriam Vlaming

Projektraum Ventilator
Katzbachstr. 24, 10965 Berlin

Eröffnung / Opening : 27.09.2018, 19 Uhr / 7 pm - open end
Dauer / duration : 27.09.2018 - 07.10.2018
Öffnungszeiten / open : 28.-30.09.2018 : 14-18 Uhr ; 6.& 7.10. : 14-18 Uhr
& nach tel. Vereinbarung / by appointment : 0172/ 7467225

MNW
www.malerinnennetzwerk.com
Projektraum Ventilator
https://ventilator.blog/

Die Ausstellung Die Jahrhundert-Bar (1920-2020) ist eine Hommage an den expressionis-tischen Film der frühen 1920er Jahre. In einer experimentellen Rauminstallation zeigen Künstlerinnen des MalerinnenNetzWerks Berlin-Leipzig und sieben Gastkünstler*innen ihre Arbeiten.
Den Betrachter erwartet dabei keineswegs ‚nur’ expressionistische Malerei. Vielmehr wird der Expressionismus als Motiv bzw. als atmosphärisches Ausdrucksmittel aufgegriffen, wie dies auch beim expressionistischen Film der Fall war. Überdies werden in den gezeig-ten Arbeiten heutige Konflikte, wie das Auseinanderdriften der Gesellschaft, der politische Rechtsruck, die immer noch herrschende Ungleichheit zwischen den Geschlechtern, ver-handelt.
Eine modulare, speziell für den Ausstellungsraum geschaffene Konstruktion aus spitzen Dreiecken lässt verschachtelte Kabinette und verschiedenartige Durchgänge entstehen und in Anlehnung an damalige Filmkulissen sind fiktive Schatten direkt auf die Wand ge-malt. Der in Kooperation mit Joannie Baumgärtner gestaltete Ausstellungsraum wird zur expressionistischen Matrix, welche den etwa 30 monochromen bis schwarz-weissen Ar-beiten einen gemeinsamen, architektonisch verdichteten Rahmen gibt.

„Die Nerven der Welt sind krank !“

Um 1920 hatte sich der Expressionismus bereits in Malerei, Literatur und Theater etabliert und sollte nun im jungen Medium Film zu einer neuen Kunstform gedeihen. „Das Filmbild muß Graphik werden“, formulierte einer an dem Film „Das Cabinet des Dr. Caligari“ betei-ligten Architekten. So unterstreichen gezeichnete Dekors und Schatten Unwirklichkeit und Horror der Handlung. Diese expressive Formensprache schien zudem gut geeignet, um die nach wie vor präsenten Kriegstraumata zu verarbeiten. Meist spielten düstere Inhalte, wie das wiederkehrende Motiv des Wahnsinns eine zentrale Rolle – besonders deutlich in dem Film „Nerven“ von 1919, in welchem der geisteskranke Roloff verkündet : „Die Nerven der Welt sind krank !“ Der herangezogene Psychiater listet folgende Gründe für die Entste-hung von Geisteskrankheiten auf : Die fortschreitende Zivilisation, der Kampf ums Dasein, Angst und Schrecken des Krieges, die Sünden der Eltern.

Dem Filmtheoretiker Siegfried Kracauer zufolge bietet der deutsche Film der zwanziger Jahre insgesamt das Psychogramm einer traumatisierten Gesellschaft, die von Hoffnung und Resignation, Wirklichkeitsflucht und Widerstand zerrissen wurde. Expressionistische Filme zeigen ein „gesellschaftliches Unbehagen“. Immer wieder scheitert das Individuum am Ausbruch aus der Masse. Es werden Ideale beschworen und man versucht, den neu-en, modernen Menschen zu schaffen.

In der Blütezeit des expressionistischen Films (ca. 1919-25) stehen die Deutschen im Bann vieler Unsicherheiten wie Hunger, Arbeitslosigkeit, hohe Säuglingssterblichkeit, Hy-perinflation, politische Unruhen. Soziale Spannungen werden in der relativ stabilen Wei-marer Demokratie jedoch immer mehr von einer wachsenden Unterhaltungsindustrie be-mäntelt. Der Film wird zum Massenmedium und deutsche Filme zum Devisenbringer, wo-bei der deutsche Film wegen seiner ausdrucksstarken Filmarchitekturen internationales Ansehen erringt.
Es ist eine Zeit des Übergangs, vom Kriegstrauma hin zu rasanten Modernisierungen, was vor allem in Städten wie Berlin ein weltstädtisches Lebensgefühl beflügelt. So wird die Großstadt „zum ewigen Sehnsuchtsort hedonistischer Fantasien : Vom Alexanderplatz fährt eine Straßenbahn zur Milchstraße, vor expressionistischen Gemälden fliegt dem Bürger der Hut vom Kopf und in den Nachtklubs gibt man sich sexueller Anarchie und kul-tivierten Koksneurosen hin.“

Parallelen dieser Zeit der Spannungen und des Aufbruchs zu unserer Gegenwart sind un-übersehbar. Die Kunsthistorikerin Ingrid Pfeiffer zieht hierzu diverse Vergleiche :„Es gibt heute wie damals die Wahrnehmung in der Gesellschaft, dass der Fortschritt zwei Seiten hat und nicht jeder davon profitiert. Dass die Maschine den Menschen nicht mehr braucht (…). Damals gab es die Fließbandabfertigung, heute ist es die Digitalisierung.(…) Ver-gleichbar mit unserer Zeit ist auch das Wegbrechen der gemäßigten Mitte und der Anstieg des Extremismus. (…) Gleichzeitig war die Weimarer Republik auch der Beginn der Mo-derne, mit sehr vielen fortschrittlichen Ideen (…) : die neue Frau, die Debatte um den Ab-treibungsparagraphen 218 und den Homosexualitätsparagraphen 175 (…). Rollenbilder wurden über Bord geworfen und es gab zahlreiche neue Berufe für Frauen.“

Struckturveränderungen, exposition collective, Kostbar gallery, Berlin.

posted on 2018-05-11 12:08:49

Strukturenveraenderungen
Vernissage am 16. Mai ab 18:00
Kostbar Gallery, Auguststraße 85, 10117 Berlin
Kurator : Christoph Kolk

mit Thibault Bourgoing, Daniel Hundertmark, Jérémie Martino, Gulnur Mukazhanova, Florence Obrecht, Axel Pahlavi, Mathias Schauwecker.

Quel amour ?!, Musée d´Art Contemporain, Marseille

posted on 2018-04-13 09:24:39

Folklores, exposition personnelle à la galerie ALB, Paris.

posted on 2018-01-18 19:32:48




L´exposition est prolongée du jeudi 25 au mercredi 31 janvier 2018 !

So beast & nasty, exposition collective organisée par Corine Borgnet

posted on 2018-01-18 19:29:36

Friends & Family, galerie Eva Hober, Paris.

posted on 2017-11-24 09:21:17

Folklores, exposition personnelle à la galerie ALB, Paris.

posted on 2017-11-24 09:12:31

Playlist, Erratum galerie, Berlin

posted on 2017-11-01 18:44:00

Playlist

Exhibition from 4 November to 16 December 2017
Opening Saturday 4 November, 17:00 - 21:00

Erratum is very pleased to reopen its doors with yet another exhibition on painting. To alleviate any thematic fatigue, the new four-headed team will kick off with a light and playful mode, gently experimenting with the qualities and features of the paint medium within the Raum.
As for introduction, the exhibition is conceived as a playlist de coeur from Dean, Franck, Linda, and Raphaël-Bachir. On the walls unfolds a spectrum of small-sized paintings displayed edge to edge, according to a simple principle of formal affinities and associations : a sort of visual mixtape of pieces by various artists.
An audio edition completes and extends the installation on display. Available on CD, it contains a second playlist of sounds and recordings submitted by the artists.

Playlist is a group compilation featuring works by Dean Annunziata, Alexandre Bavard, Mireille Blanc, Volodymir Bevza, Mathieu Boisadan, Fritz Bornstuck, Matthieu Clainchard, Claire Decet, Daniel Ewinger, Ivan Fayard, Samuel François, Vincent Gallais, Paris Giachoustidis, Annelies Grève, Lukas Glinkowski, Philip Grözinger, Christina Hartwich, Aurélie de Heinzelin, Pascal Hointza, Robin Isenmann, Heike Kelter, Youcef Korichi, Frédéric Léglise, Elodie Lesourd, Anna Ley, Caroline Meyer Bickenbach, Filip Mirazovic, Marc Molk, Pedro Moraes Landucci, Simon Morda-Cotel, Audrey Nervi, Maël Nohazic, Florence Obrecht, Raphaël-Bachir Osman, Axel Pahlavi, Simon Pasieka, Nazanin Pouyandeh, Robin Rapp, Franck Rausch, Alexander Skorobogatov, Juliette Sturlèse, Mathias Schech, Götz Schramm, Alex Tennigkeit & Paul Barnett, Alexander Tillegreen, Tyra Tingleff, Isabella Uhl, Raphaël Vincenot, Frank Vivier, Marta Vovk, Alexander Wagner and Sarah Wolher.

Kunstschorle, Projektraum Ventilator, Berlin.

posted on 2017-09-14 18:34:00

Où poser la tête ? [chap.3] – Wo soll mein kopf ruhen ? galerie dukan, baumwollspinnerein, leipzig

posted on 2017-05-21 14:34:43

Commissariat : Julie Crenn

Artistes : Romain Bernini – Nina Fowler – Folkert de Jong – Myriam Mechita – Florence Obrecht – Alicia Paz – Jean-Xavier Renaud – Karine Rougier – Katharina Ziemke – Kimiko Yoshida.

Il faut que la présence ne soit pas abstraite. Par exemple la chose la plus difficile à faire en ce moment c’est le portrait. A cause de ça c’est presque impossible à faire. Je vais continuer à essayer.
Francis Bacon

La question du portrait et de l’autoportrait fait partie intégrante de l’histoire de l’art, depuis les peintures pariétales jusqu’aux photographies de Cindy Sherman, en passant par les portraits du Fayoum, les peintures de Rembrandt, de Frida Kahlo, de Marlène Dumas, les sérigraphies d’Andy Warhol ou encore les sculptures de Stephan Balkenhol. Peu importe le support et la technique, les artistes représentent, sans jamais pouvoir en épuiser le thème, leur propre visage et/ou ceux de leurs contemporains. Henri Michaux, poète et artiste, a su décrypter la nécessité de dessiner, de peindre, de sculpter, de photographier ou de filmer les images de soi et d’autrui. Il s’attache notamment à l’analyse du dessin d’enfant. Dès notre plus jeune âge, le crayon à la main, nous traçons des formes, qui, peu à peu, se précisent et se révèlent : un rond dans lequel viennent s’inscrire ce qui s’apparente à des yeux, un nez, une bouche, des cheveux. « La trace linéaire laissée sur le papier lui rappelle quelqu’un, la mère ou le père ; l’homme déjà, l’homme représentant tous les hommes, l’homme même. » Rapidement les dessins se tournent vers l’auto-figuration ou bien de représentation des autres, des êtres connus, inconnus ou imaginaires. Par extension, le dessin génère une vision de la société et plus largement du monde. Une vision multiforme que les artistes s’emploient à poursuivre, à élargir et à préciser. Les [auto]portraits agissent par échos. Alors, les œuvres fonctionnent comme des miroirs à la surface desquels les artistes, leurs environnements et leurs histoires se reflètent. Elles sont des espaces de projections pour celui et celle qui les regarde, des espaces au creux desquels nous sommes physiquement, psychiquement, visuellement confrontés au corps, au visage de l’autre.

Les [auto]portraits engagent différentes questions : l’affirmation ou bien la remise en question d’un statut (celui de l’artiste), d’une identité (artistique, culturelle, sexuelle), d’une vision critique, politique, poétique des autres et/ou de soi. Ils engendrent un ensemble de sentiments à la fois complémentaires et contradictoires : le trouble, l’identification, le rejet, la crainte, l’empathie, le doute. Pourtant, la fascination prédomine, l’irrésistible tête-à-tête entre le regardeur et le sujet provoque une pluralité de réactions. Les [auto]portraits activent une dissonance et une complexité inhérentes à la nature humaine. L’exposition Où poser la tête ? est nourrie de ses différents champs de recherche, de ces différents sentiments qui façonnent l’expérience de chacun. Le titre de l’exposition est une interrogation. Où poser la tête ? Qui suis-je ? Qui es-tu ? Comment se représenter et représenter l’autre ? Que nous disent les portraits et autoportraits ? Comment se positionner dans le monde ? Les œuvres formulent un dialogue où les regards politiques et poétiques se croisent et s’entrechoquent selon différents axes de réflexion : le portrait – la réactualisation d’un genre traditionnel, l’archive, le corps politique, l’intime, le masque et la performativité de soi. Les œuvres attestent d’une ambiguïté constante et d’une pluralité (des formes et des discours) nourrie de mouvements et de perturbations. Qu’ils soient traités de manière directe ou indirecte, les [auto]portraits traduisent un mouvement, celui d’une performance continuelle des corps, des identités et des idées.

Julie Crenn

Visuel : Kimiko Yoshida La Mariée Arlequin, dans le souvenir de Picasso.
Autoportrait/The Harlequin Bride, remembering Picasso. Self-portrait, 2006

Jusqu´à ce que la mort nous sépare

posted on 2017-01-20 19:55:29

Visuel :
Jusque´à ce que la mort nous sépare
Axel Pahlavi et Florence Obrecht
Gouache sur papier, 228 x 150 cm, 2017.

Comedian Harmonists - Axel Pahlavi et Florence Obrecht

posted on 2017-01-13 11:21:01

Inglan Is a Bitch

posted on 2016-11-25 10:26:08


http://www.webalice.it/t.christiansen/Inglan%20Is%20A%20Bitch.htm

Sortie du catalogue "Le Royaume" Axel Pahlavi & Florence Obrecht

posted on 2016-08-12 15:21:51

https://vimeo.com/178491197

Nouveau blog !

posted on 2016-04-20 23:56:04

http://florenceobrecht.tumblr.com

Seuls / ensemble, Artothèque de Caen, 23.04 - 25.09 2016

posted on 2016-04-16 00:15:52

True mirror, espace Commines 8 et 9 avril 2016

posted on 2016-04-08 17:05:20

Marion Auburtin / Pauline Bazignan / Anke Becker / Emily Beer / Emilie Benoist / Céline Berger / Romain Bernini / Mireille Blanc / Betty Böhm / Edouard Boyer / Damien Cadio / Emmanuelle Castellan
/ Alexine Chanel / Eric Corne / Mélanie Delattre-Vogt / Arnaud Devaux / Donatella Dior / Cécile Dupaquier / Isabel Duperray / Laurence Egloff / Frank Eickhoff / Pascal Frament / Gfeller&Hellsgard / Monika Goetz / Danielle Gutman / Ulrich Hakel /Jorg Hasheider / Andy Holtin / Hervé ic / Jung-Yeun Jang / Gabriel Jones / Chloé Julien / Heike Kelter / Régine Kolle / Benjamin l. Aman / Corinne Laroche / Marie Lepetit / Thomas Levy-Lasne / Sara-Lena Maierhofer / Miguel Marajo / Maude Maris / Eva Nielsen / Alexandra Noat Dumeste / Florence Obrecht / Axel Pahlavi / Nathalie Piernaz / Tim Plamper / Inken Reinert / Raphaël Renaud / Anne-Laure Sacriste / Alice Sfintesco / Luzia Simons / Jeanne Susplugas / Alex Tennigkeit / Roselyne Titaud / Maxime Touratier / Evgenija Wassilew / Katharina Ziemke

Sagt ihr, kleinen Kinderlein, warum ihr lacht nicht mehr

posted on 2016-02-19 16:50:56

Épouse Circus

posted on 2015-10-27 21:02:28

https://vimeo.com/143779788?utm_source=email&utm_medium=clip-transcode_complete-finished-20120100&utm_campaign=7701&email_id=Y2xpcF90cmFuc2NvZGVkfGVjYWU5NDBjN2FkZmVjZGZhZDQ0ZDQwYzQzOGY4N2FlMzkzfDQ1MjY1MTE5fDE0NDU5NzI1MzV8NzcwMQ%3D%3D

Kosmos seven

posted on 2015-09-21 18:48:41

Des envies d´eux, group show, galerie ALB

posted on 2015-05-20 07:37:52

Le Royaume, Axel Pahlavi / Florence Obrecht

posted on 2015-04-12 11:43:12

24.04.15 - 31.08.15
Spieß Schumacher Schmieg & Partner, Rechtsanwälte
Märkisches Ufer 34, 10179 Berlin

Hilde Bergmann, Retrospektive

posted on 2015-02-28 18:33:47

Sehen- Malen- Sehen- Erkennen

Zu den Werken von Hilde Bergmann

Hilde B. entwickelte ihre Arbeiten aus dem Gesehenen in Natur- und Stadträumen. Zeichnungen oder Fotos dienten ihr als Vorstufe, um sie in Malerei oder in Entwürfe von Stoffen und Tapeten umzusetzen.

Bilder mit floralen Motiven treten uns gegenüber. In ihrem Aufbau wirken sie wie detaillierte Ausschnitte von einem Blumenstrauß oder einem Gewächshaus. Ihre Dichte, ihr Reichtum an Strukturen ist in einem hellen Licht gehalten. In Hilde B. Bildern wird die Malerei nicht zur Konkurrenz der Natur, sondern lässt uns in der feinsinnigen Organisation von Farbe erkennen, dass die Natur nicht aus Gegenständen, die wir uns vorstellen, besteht.

In den rein abstrakten Bildern verwandelt Hilde B. Motive aus der Architektur in farbige Strukturen, die in einem Linien- oder Flächenverbund erscheinen.
Horizontale oder vertikale Streifen werden überlagert von Kreisformen, die wiederum in lineare Gefüge unterteilt sind. Ihre Farbklänge erinnern an die 50er -70er Jahre.
In diesen rhythmisch angelegten Farbkompositionen setzt sich Hilde B. mit der Wechselwirkung der Farbe auseinander. Angelehnt an die Lehre des Bauhauses organisiert Hilde B. die Farben, die aneinander stoßen in einer sinnlichen jedoch auch messbaren Weise. Durch das Setzen von Komplimentärkontrasten und unterschiedlichen Tonwerten beeinflussen sich die Farben wechselseitig.

Hilde B. lädt uns ein, dem eigenen Sehen zu vertrauen, denn sie weiß nach der spürbar langjährigen Arbeitserfahrung, dass das Auge die Farbe ordnet und sortiert.

Susanne Jung

En substance, Axel Pahlavi et Florence Obrecht, 19,20,21,27,28 décembre 2014, temple réforme de Sarre-Union (exposition organisée par le Triangle des Bermudes)

posted on 2014-12-15 00:03:00

La grande parade, exposition personnelle à la galerie ALB 16 octobre - 25 novembre 2014

posted on 2014-10-10 07:58:46

Cadavre exquis à la plage, Projektraum Ventilator 24, Berlin, 4 juillet - 1 aout 2014

posted on 2014-07-01 15:03:00

avec/mit :
Tom Anhold, Eugénie Bachelot Prévert, Jérôme Barbe, Sarah Battaglia, Emilie Benoist, Emmanuel Bornstein, Fritz Bornstück, Thibault Bourgoing, David Button, Baptiste César, Alexine Chanel, Daphné Chevallereau, Eric Corne, Caroline Cassel, Cyprien Desrez, Salômé Guillemin, Ayako David Kawauchi, Gaël Davrinche, Agnes Domke, Jürgen Durner, Laurence Egloff, Vanessa Fanuelle, Holmer Felmann, Maike Freess, France Gayraud, Régis Gonzalez, Amélie Grözinger, Philip Grözinger, Chris Hammerlein, Jonathan Hecht, Franziska Houmsi, Maged Houmsi, Franz J. Hugo, Paul Hutzli, Sarah Jérôme, Chloé Julien, Susanne Jung, Nicolas Kashian, Justina Kilinski, Luzie Kork, Yannick Lambelet, Jing Liu, Zara Marlen, Armen & Melvin, Jérémie Martino, Marc Molk, David Morel, Gulnur Mukazhanova, Patrick Munck, Frédéric Nakache, Maho Nakamura, Audrey Nervi, Claus Hugo Nielsen, Bettie Nin, Alexandra Noat-Dumeste, Maël Nozahic, Annina Nusko, Florence Obrecht, Axel Pahlavi, Gérald Panighi, Francois Paris, Johanna Perret, Joao Persenda, Nazanin Pouyandeh, Marco Reichelt, Raphael Renaud, Caroline Rivalan, Lionel Sabatté, Mathias Schauwecker, Caroline Schmidt, Mickael Sellmann, Jenny Shin, Cédric Taling, Alexej Tcherniy, Tenko, Alex Tennigkeit, Emilie Thomas, Matthäus Thoma, Paul Vergier, Yannick Vey, David Weishaar, Anna Wright, Wu Zhi, Aaron Zimmer, Amandine Zaïdi, Jérôme Zonder.

Planetarium Altera

posted on 2014-04-12 15:26:22

Drawing now Paris 2014 stand ALB

posted on 2014-03-02 15:20:01

Art Paris Art Fair 2014 stand ALB

posted on 2014-03-02 15:13:53

JPEG - 44.6 ko
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Beautiful Painting is behind us - Maribor

posted on 2012-09-01 23:29:20

BEAUTIFUL PAINTING IS BEHIND US
Maribor Art Gallery, Strossmayerjeva 6, Maribor
2 August – 9 September 2012
opening : Thursday, 2 August 2012 at 19.00

You are kindly invited to the opening of the exhibition as part of the project ART ALWAYS WINS/TERMINAL 12 ! Opening speaker : Mitja Čander, programme director of MARIBOR 2012 – European Capital of Culture. Exhibition curators Arne Brejc and Eva Hober will held a guided tour of the exhibition after the opening.

The exhibition was initiated by Jean-Luc Maslin, Cultural Counsellor and Director of the French Institute of Turkey. He suggested to Eva Hober, a gallerist from Paris, to curate an exhibition focused on contemporary French artists. Beautiful painting is behind us has already been on display in Istanbul (2010), Ankara (2011) and Nantes (spring of 2012). For the exhibition at the Maribor Art Gallery, Eva Hober decided to expand it with works by several Slovenian artists and she invited Arne Brejc for a collaboration. In 2013, a second version of the exhibition, with a new group of artists, will first be shown in Europe. Then, the show will be hosted by in USA, in 2014.

Beautiful painting is behind us exhibited by the Maribor Art Gallery, is one of the exhibitions in the frame of the Art always wins project / Terminal 12 and has been supported by the Maribor 2012 – European Capital of Culture and the French Institute Charles Nodier. Thirty-six artists from France and Slovenia exhibit their most recent works, which are exceptional contemporary artistic confessions, a commentary and analysis of Man being trapped in the shackles of this complex world. The exhibition is about the power of contemporary painting which leaves no one cold and unaffected ; it speaks about the generation of artists who have grown and formed themselves under the influence of television, computers, comics, film and the great classic treasure chest of art, and for whom the painting has remained a relevant medium. Each with their own expressive language the artists bear witness to the violence of the modern world. Their return to figurative art reflects a brilliant and at the same time distressing picture of our time in which numerous references to history, painting and the world in general blend into an interpretation of reality and reveal an often visionary interpretation of our contemporary myths and society. In spite of the variety of stylistic languages used by individual artists, several features are common to their works, such as subliminally accentuated interpretations in the works by Axel Pahlavi, Youcef Korichi and Audrey Nervi, and the violently marked flow in the works by Jérôme Zonder, Damien Deroubaix, Ronan Barrot, Ida Tursic and Wilfried Mille.

 »When today a young painter /paintress stands in front of a canvas or any other medium used, this surface is never white, never entirely empty ; a white canvas is only an appearance, yet never an emptiness. Through this surface the history of art pulsates, the images seen by young artists, reproductions and originals stored in their memory (even though they never think of them) ; through this surface an enormous arsenal of contemporary media imagery is moving, thousands of images that surround artists in their every-day life. It seems painters these days very rarely think in advance about the »form« , about its abstract idealism, purity, spirituality, metaphysics. Media image-making is realistic, semantically functional, focused on the message, while the appearance serves the content ; in media there is on principle nothing abstract in the Kantian sense, nothing by itself, because of itself. As a result, contemporary painting is »realistic« , combining cartoon, film, photography and television fragments, and is just as performative as any external action ; it contains elements of posters and media, music and video spots, it is full of sophisticated colours and polished surfaces. It is equally full of all that belongs to an urban visual dumpsite, the disintegration of used images and commercial messages : these messages have been present in another medium, and have now found their place in the painting as a fragment, an association, a metaphor, also as an error or enigma – to summarize, as a much more »open work« than allowed by the media communicative functionality. In a special way the paintings are dysfunctional, useless, private, but because of this they address the viewer with even more passion.« (Tomaž Brejc and Arne Brejc, from the exhibition catalogue).

artists : Ronan Barrot, Julien Beneyton, Romain Bernini, Katia Bourdarel, Alkis Boutlis, Andrej Brumen Čop, Damien Cadio, Nicolas Darrot, Damien Deroubaix, Tina Dobrajc, Gregory Forstner, Mito Gegič, Cristine Guinamand, Jaša, Barbara Jurkovšek, Youcef Korichi, Kosta Kulundzic, P. Nicolas Ledoux, Élodie Lesourd, Iris Levasseur, Marlène Mocquet, Audrey Nervi, Maël Nozahic, Florence Obrecht, Axel Pahlavi, Mark Požlep, Raphaëlle Ricol, Lionel Sabatté, Miha Štrukelj, Iva Tratnik, Ida Tursic in Wilfried Mille, Luka Uršič - Kalu, Sanja Vatić, Uroš Weinberger, Jérôme Zonder

curators : Arne Brejc and Eva Hober
produced by : Kultura 21
coproduction : Maribor 2012 - European Capital of Culture / Terminal 12
supported by : Institut Français Ljubljana and Maribor 2012 - European Capital of Culture

Photo above : Audrey Nervi, Fuck the © - Raf Boccanfuso – Paris 2012, 2012, oil on canvas, courtesy of the artist

Opera Seria

posted on 2012-04-05 21:23:23

La belle peinture est derrière nous, lieu unique, Nantes

posted on 2012-02-29 17:25:14

Je hais les couples

posted on 2012-01-07 18:00:02

Exposition " La belle peinture est derrière nous " Istanbul, Entrepot N° 5, Decembre 2010

posted on 2011-01-05 12:40:50


25 artistes, 60 œuvres et potentiellement 5 lieux d’exposition à l’international. Telle est l’ossature de La belle peinture est derrière nous, projet d’exposition entièrement dédiée à la scène picturale française actuelle et initié par Jean-Luc Maslin, Directeur de l’institut français de Turquie en collaboration avec Eva Hober, galeriste et Commissaire d’exposition.
Nés entre 1962 et 1985, les artistes présentés s’attachent tous à exprimer une même tension aux accents générationnels dans une écriture forte dont la diversité des formes bâtit la richesse d’une autre peinture. Il s’agît de promouvoir au sein d’un large dialogue le dynamisme d’une génération et la pluralité de ses préoccupations, donner à voir sous la forme d’un véritable panorama un travail à la facture énergique où l’image picturale fait peau neuve pour cristalliser de nouvelles expressions. La belle peinture est derrière nous invite à capter le reflet d’une génération sous tension dont l’œuvre s’impose comme témoin.

C’est en faveur de cette scène percutante qu’est organisé ce projet, conçu comme élément impulsif du rayonnement de la peinture française à l’étranger, dans un format variable et capable de s’adapter aux différents contextes de ses présentations. L’exposition sera lancée le 27 novembre à Istanbul, capitale culturelle européenne de l’année 2010, et bénéficiera de la visibilité de cette manifestation internationale importante avant de circuler vers Ankara. Viendront ensuite le Lieu Unique à Nantes et un quatrième ou cinquième lieu d’exposition actuellement à l’étude, en Asie ou en Europe, pour terminer par Los Angeles en 2012, sous forme d’un regard croisé avec des jeunes peintres américains de la même génération. Le projet sera en outre l’occasion de prouver une synergie des différents acteurs de l’art contemporain, public ou privé, institutions, artistes et collectionneurs, d’organiser des résidences sur place et de créer des liens durables avec les principaux partenaires locaux. Ainsi « La belle peinture est derrière nous » se présente de façon évidente comme un formidable tremplin pour la promotion et l’exportation de la création contemporaine française, et ouvre de nouvelles perspectives d’échanges et de coopérations, résolument orientées vers l’international.

La qualité de la sélection des artistes est garantie par le choix de professionnels de l’art. Par ailleurs, le soutien de CulturesFrance, de l’Institut Français de Turquie et de collectionneurs privés à ce projet d’exposition est à même de susciter d’autres formes mécénats et d’intéresser critiques et magazines d’art. De plus, les plus prestigieux critiques d’art français et étrangers apporteront leur contribution à ce projet par la rédaction dans le catalogue de textes introductifs au travail respectif de chacun des artistes exposés.